台灣首位日本國立新美術館個展-王穆提續寫NAU前衛傳奇
日本東京訊／ 國際藝術專題採訪組
2026 年2月4日至15日，日本國立新美術館迎來一項對台灣藝術創作領域具有指標性與學術意義的重要藝術事件。台灣藝術家 王穆提（WANG MUTI） 受邀參與 《第24回 NAU21 世紀美術連立展》，並經NAU運營委員會全體委員一致決議，獲得獨立策展空間，以「展中個展」形式完整呈現其創作，成為首位於日本國立新美術館（The National Art Center, Tokyo）以此規格舉辦個人展覽的台灣藝術家。
此一安排在日本大型展體系中極為罕見，代表藝術家於創作成熟度、學術完成度與空間駕馭能力上，獲得日本主流藝術組織的高度專業肯定。該展出不僅為藝術家個人創作歷程的重要里程碑，同時也被視為台灣當代藝術首次於日本國立美術館體系內，以完整策展尺度建立文化主體座標的重要案例。
國立新美術館為日本最高等級的國立美術館，與紐約MOMA、大都會博物館、法國大皇宮、英國泰特美術館皆屬同等級之國際美術館，其空間尺度與象徵性常被視為日本當代藝術的重要門戶。此次王穆提於館內展示室 1A 展出近四公尺高的巨幅作品——〈聖境・阿里山〉、〈中道之光〉、〈空中之色〉，以完整世界觀構成一個高度統攝空間的展覽思維表現手法，於眾多國際參展作品中形成鮮明對話。
日本藝術界的專業回應
NAU21世紀連立展成員來自多個日本重要藝術團體，包括日本墨人會（森田子龍、井上有一創立的現代書法團體）、太平洋美術會（日本第一個藝術團體、有120年以上的歷史）、日法現代美術會（Salon Blanc）、二紀會、每日書道會（日本最大書法團體）、一陽會、自由美術會、一墨會、CAF.N等，其成員多為各團體之評審、核心藝術家或資深創作者。
王穆提作為台灣藝術家於此專業結構中獲得獨立策展的個人展示空間，具備被日本藝術圈專業學術與實力指標肯定之意義，同時王穆提又獲得24回NAU21世紀連立展的最高賞：未來賞，未來可在日本國立新美術館展示三面牆面的作品，等於是獲得如上團體的肯定與支持。
歷年得主皆為國際重要美術館與財團重要收藏之藝術家，如韓國國會議事堂、現代集團、三星 (SAMSUNG)集團、韓國通用汽車 (General Motors Korea)、韓國賓士 (Benz Korea)、日本銳跑 (Reebok Japan)、樂天 (Lotte)與日本各大美術館、畫廊、美國紐約、歐洲如法國、波蘭等各大美術館、畫廊代理收藏等。
巨幅創作直面國際場域
國立新美術館單一展廳挑高逾五公尺，對作品的物理量感與精神張力提出極高要求。王穆提此次展出作品高度皆逼近 400 公分，媒材融合宣紙、水墨與壓克力顏料，成功回應場域尺度，展現高度完成度與當代性。
其中，〈聖境・阿里山〉 以台灣地景為精神起點，透過高度抽象的墨色層次，轉化為具普世性的崇高意象；〈中道之光〉 則以嚴謹結構呈現佛教龍樹菩薩中觀哲學「中道」思想，成為展覽的精神核心，〈空中之色〉 則是探索現象界物質與宇宙論的空性視覺張力。
NAU 前衛系譜中的台灣座標
王穆提所屬的日本 NAU（New Artist Unit），其歷史可追溯至 1960 年代日本「具體美術」、「新達達」運動，是日本戰後前衛藝術的重要系譜之一。NAU 現今以「連立（Renritsu）」為核心理念，強調藝術家在保持高度個體性與不分流派的前提下並存共立。
同時也是NAU台灣首位成員的王穆提，並未模仿日本前衛形式，而是帶入結合東方哲學、當代抽象與跨媒材實驗的創作語言，為該組織注入新的亞洲視角，也象徵台灣當代藝術正式進入日本主流前衛藝術體系的核心視野。
台灣藝術家的國際里程碑
此次於日本國立新美術館的展中個展，不僅是王穆提個人創作歷程的重要里程碑，也被視為台灣當代藝術在國際重要美術館體系中，以完整策展尺度建立文化座標的平行視野與關鍵案例。
透過來自台灣的地景記憶、哲學思考與當代藝術語言，王穆提在東京六本木建構了一個清晰而自信的藝術現場，展現台灣藝術家在全球當代藝術語境中的主體性與可能性。
展覽資訊：
- 藝術家：王穆提 WANG MUTI
- 展出形式：展中個展（日本第24回 NAU21世紀美術連立展，獨立策展空間）
- 地點：日本國立新美術館 展示室 1A（第九區）
- 展期：2026 年2月4日至15日
這次由於是在國立新美術館的個人空間展示模式，所以特別準備長度幾乎高達四公尺、寬度在138-142公分的現代水墨畫作品。
作品由左至右：
一、作品名稱：〈聖境・阿里山〉
作品規格：寬度142x長度399cm
媒材：大畫仙紙（小津和紙出品）、水墨、壓克力顏料
二、作品名稱：〈Light of the Madhyamā-pratipad 〉
作品規格：寬度 138 x長度 390 cm
媒材：宣紙、水墨、壓克力顏料
三、作品名稱：〈空中之色 〉
作品規格：寬度139 x 長度 390cm
媒材：宣紙、水墨、壓克力顏料
這三件王穆提日本第二十四回NAU美術連立展的作品，展現強烈的「當代水墨」與「東方抽象」風格。其跳脫傳統山水筆墨，轉以肌理、光影及空間感對話。
一、蒼翠的紀念碑：《聖境・阿里山》
此作為巨大當代水墨裝置繪畫（142×399公分），於大畫仙紙上以水墨、壓克力重塑阿里山意象，強調「境」之提煉而非「景」之描繪。
垂直的在場：巨幅卷軸超越室內展示極限，需仰望觀之，如面高牆或神木，具建築性與崇高感。其絕對垂直性模擬攀登或墜落視覺，強化自然不可掌控性。
紙的呼吸：選用小津大畫仙紙，形成岩石或老樹皮般褶皺肌理，保留紙張呼吸感。水墨為底，壓克力為表，兩者交融模擬森林複雜生態。
時間的顏色：摒棄明信片式色彩，取孔雀石、青銅鏽般「蒼古之綠」，象徵時間與沈寂。白色線條如裂紋或閃電，打破沈悶，引入光線與動勢。
微觀與宏觀：遠觀如巨碑山水，近觀見微觀肌理，如一沙一世界。去地標化處理將阿里山昇華為普遍聖境符號。
藝術定位：屬「物質性水墨」，強調媒材物性，亦有抽象表現主義回響，情感內斂積澱。
二、裂隙中的永恆：《Light of the Madhyamā-pratipad》
此作（138×390公分）為三段式結構，上下沈重物質積累，中為紫羅蘭色光暈裂隙，直指佛教「中道」哲學。
離兩邊而行中道
在龍樹菩薩的《中論》中，中道旨在破除「有」與「無」、「生」與「滅」的執著。在王穆提的畫中，上下兩端巨大的黑色塊面可以被解讀為「兩邊」（Duality）——或許是生與死，或許是過去與未來，或許是物質與慾望。
這些「兩邊」是沈重的、固化的、充滿糾葛的（透過複雜的金色肌理表現）。而中間的光，則是「中道」。它不是兩者的平均值，而是兩者之間的「空隙」。正如老子所言「知其白，守其黑」，藝術家在黑色的包圍中守住了那一抹白。這道光是不偏不倚的覺知，它存在於矛盾的縫隙中，既不落入虛無，也不執著於實有。
裂隙作為啟示
海德格爾（Heidegger）曾論及「真理的敞開」（Aletheia）。《中道之光》中的這道橫向裂隙，正是一種「敞開」。它像是在堅固的現實牆壁上撕開了一道口子，讓真理之光得以透射進來。
這暗示了現代人的生存狀態：我們被夾在巨大的社會機制、物質慾望與歷史重負之間（上下的黑金岩層），感到窒息與壓抑。而心靈的自由（中道之光），往往就存在於那些稍縱即逝的縫隙與當下之中。
垂直的崇高：極致垂直體量連通天地，具圖騰柱般在場感。三明治式結構展現上下重壓與中間支撐之張力，映射中道對極端對立之調和。
肌理的沈積：宣紙如皮膚般具體積感，褶皺如地質岩層。黑墨與壓克力為底，金色顏料提亮，亦如礦脈或廢墟餘燼，隱喻黑夜中蘊藏覺悟種子。
光譜的臨界：中央紫羅蘭色光帶為靈魂所在，具自發光效果，如切開混沌之激光。邊緣模糊暗示中道之動態過渡，為觀者提供視覺與精神出口。
哲學互文：上下黑塊象徵「兩邊」（生死、物質），中間光帶即「中道」空隙，亦如海德格爾之「真理敞開」。
藝術坐標：形式呼應紐曼「拉鍊」與羅斯科色域，屬物質派水墨探索，以物理屬性造境。
三、懸置的崇高：《空中之色》
此作（139×390公分）描繪懸浮虛空之巨大黑色有機體，藉「色即是空」語意製造視覺悖論。
紀念碑式的在場：巨幅尺寸迫使仰望，黑色團塊如迫近之牆，具重力感與崇高體驗。
肌理的鍊金術：解構傳統皴法，黑主體疑為墨與深色壓克力混合，凝重如石。
色彩的辯證：背景為粉紅至淺藍漸層，具當代氣息，襯托主體之沈重。主體為「絕對的黑」，吸光如黑洞，形成輕重、夢實對立。
標題解碼：圖文反諷，黑色巨石或為天空「本色」。演繹「色即是空」，黑色物體（色）懸浮虛空（空），肌理破碎暗示物質虛幻。
空間動力學：如馬格利特懸浮岩石，具超現實感。上下邊界處理暗示物體之巨大與延伸。
文化定位：將傳統供石轉化為崇高客體，視覺上接軌抽象表現主義，演繹輕重、瞬間永恆之辯證。
【未来賞】受賞式・ギャラリートーク【第24回NAU21世紀美術連立展】未来賞：王 穆提（ワン・ムーティー）、 岡山 正規（おかやま まさのり）
另外一位獲得未來賞的藝術家：
岡山正規（Okayama Masaki）：
「日本京都藝術大學美術學部大學院構想設計研究所美術專攻。曾向日本哲學家梅原猛教授學習哲學，向依田義賢教授（黑澤明導演的編劇）學習劇本學，向關根勢之助、三尾公三教授學習製作。作品為克拉科夫國立美術館（波蘭）、華沙現代藝術中心（波蘭）等收藏。從系統形象論轉向作品存在論，通過「構想建築（Conception-Architecture）」的方法展開藝術實驗。作品探討繪畫、現代藝術、抽象藝術及肖像藝術的本體論與認知關係。」
媒體報導：
中央社
