《視覺的超新星：吳采恩與她的色彩創世紀》
—— 日本第24回 NAU 21世紀美術連立展：台灣藝術家吳采恩參展全紀錄與深度藝評
策劃・撰文 ／ 王 穆提（WANG MUTI）
六本木的視覺風暴 —— 當「野性」撞擊「白盒子」
2026 年初春，東京六本木的空氣中瀰漫著一種理性的寒意。由普立茲克獎級別建築大師 黑川紀章（Kisho Kurokawa） 設計的 國立新美術館（The National Art Center, Tokyo, NACT），以其標誌性的波浪狀玻璃帷幕，冷靜地反射著都會的天光。這座被譽為「亞洲最大藝術容器」的建築，向來以其巨大的空間尺度與嚴苛的展示條件聞名。
然而，當觀眾步入 《日本第24回 NAU21世紀美術連立展》 的展廳時，一股灼熱的視覺氣流打破了這份冷靜。
那是來自台灣藝術家 吳采恩（Wu, Tsai-En） 的百號鉅作 〈宇宙洪荒〉。
在周遭眾多探討結構、哲學或傳統媒材轉譯的作品中，吳采恩的作品像是一顆 「視覺的超新星（Supernova）」。她不與你談論深奧的經文，也不展示顯微鏡下的科學肌理；她直接用 高飽和度的色彩、狂野的流動性 以及 毫不妥協的尺幅，對觀眾的視網膜發起了一場愉悅的轟炸。
這不僅是一次參展，更是一次 「感官的入侵」。吳采恩代表了台灣新生代藝術家的一種典型特質：直覺、無畏，以及對「色彩能量」的絕對信仰。
場域的現象學
—— 在黑川紀章的光之容器中，尋找色彩的絕對座標
要評價吳采恩此次參展的成功，首先必須理解她所身處的「戰場」。
1. 白盒子的吞噬與反吞噬
國立新美術館的展示室擁有極高的天花板（約 5 公尺）與漫射的自然光。這種工業級別的「白盒子（White Cube）」空間，具有一種 「消解性」。中性色調、尺幅過小或張力不足的作品，往往會被空間的巨大虛空所吞噬，顯得單薄無力。
吳采恩的策略是 「以能量對抗空間」。
她帶來的 〈宇宙洪荒〉 為 100F (162 x 130 cm) 的大尺幅作品。這在物理體積上首先確立了存在的份量。更重要的是，她作品中那種 「向外擴張」 的構圖邏輯，使得畫面的心理邊界遠遠超出了物理邊框。當這幅畫懸掛在白牆上時，它不僅僅是一個掛件，而像是一個 「發光體」，強勢地定義了周圍的氣場。
2. 光線的共謀
黑川紀章的建築強調自然光與人工光的共生。在白天，陽光穿過玻璃帷幕灑入展廳；在夜晚，專業投射燈聚焦於作品。
吳采恩選用的 壓克力顏料（Acrylic） 具有獨特的反光特性與膠質感。在 NACT 的精準照明下，畫面中的 螢光粉紅 與 寶石藍 產生了如同教堂花窗玻璃般的 「透光感」。這與水墨畫的「吸光」特質截然不同。她的作品與美術館的光線達成了一種「共謀」，利用環境光來增強色彩的振動頻率，使得作品在幾十公尺外就能鎖定觀眾的目光。
作品深度解構
—— 〈宇宙洪荒〉的視覺修辭與液態構圖
作品： 〈宇宙洪荒〉 (The Primordial Universe)
規格： 100F (162 x 130 cm)
媒材： 壓克力顏料 (Acrylic on Canvas)
站在這幅畫作前，我們需要用一種 「動態」 的眼光來解讀。這不是靜止的風景，而是一個正在發生的「事件」。
1. 液態現代性（Liquid Modernity）的視覺化
社會學家齊格蒙·鮑曼（Zygmunt Bauman）曾提出「液態現代性」的概念，描述當代社會結構的流動與不確定。吳采恩的畫作，正是這種概念的視覺轉譯。
- 無邊界的色塊： 在畫面左側，巨大的 粉紅、洋紅與白色團塊 相互擠壓、融合。它們沒有堅硬的輪廓線，而是像熔岩或流體一樣漫延。
- 流動的視角： 觀者的視線無法停留在任何一個單一的焦點。從左上方的深紅漩渦，滑落至中央的藍色湍流，再被右側的層積岩狀色塊阻擋。這是一種 「全幅式（All-over）」 的流動，強迫觀眾的眼球不斷遊走，模擬了處於變動中的宇宙狀態。
2. 空間的拓撲學：多維度的摺疊
吳采恩打破了文藝復興以來的單點透視。
- 右上方 的半圓形結構（淺藍色虹橋/日出？），暗示了某種遠景或地平線。
- 左下方 的黑色有機剪影，則像是極近景的物體或觀察者的陰影。
- 中央 的藍綠色線條，如同數位的訊號線或神經網絡，穿越了不同的色塊層次。
- 她將遠景、近景、微觀、宏觀全部 「壓縮」 在同一個平面上。這種空間處理方式非常當代，它反映了網路時代我們在螢幕上同時開啟多個視窗、多個時空的視覺經驗。
3. 線條的「書寫性」與「雕塑性」
畫中的線條具有雙重性格。
- 有些線條是 「流淌（Drip）」 的，那是顏料受重力牽引的自然痕跡，帶有傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）式的行動繪畫特徵。
- 有些線條則是 「堆疊」 的，利用壓克力顏料的厚度，在畫布上形成淺浮雕般的肌理。這些線條像是在切割空間，為混亂的色彩洪流建立了臨時的骨架。
色彩的暴力與歡愉
—— 螢光、壓克力與後數位時代的感官邏輯
吳采恩作品最強烈的標籤，無疑是 「色彩（Color）」。她對色彩的使用，已經超越了「再現自然」，進入了 「表現意志」 的層次。
1. 螢光色的政治學：拒絕憂鬱
在傳統的「洪荒」題材中，藝術家往往傾向使用混沌的灰、深沈的黑或土黃色（如德國新表現主義）。但吳采恩反其道而行。
她大量使用了 高明度、高彩度 的顏料：螢光粉（Fluorescent Pink）、青檸綠（Lime Green）、電光藍（Electric Blue）。
- 拒絕沈重： 這是一種新生代的宣言。她拒絕了歷史的沈重感與悲劇性。在她筆下，宇宙的誕生不是一場災難，而是一場 「狂歡（Carnival）」。
- 人工自然的混種： 這些顏色帶有強烈的「人工感」與「塑膠感」。這暗示了在 2026 年，我們對「自然」的想像已經無法脫離數位螢幕的濾鏡。她畫的不是原始的自然，而是被當代感官過濾後的 「後自然（Post-nature）」。
2. 色彩的觸感（Haptic Visuality）
德勒茲在論培根（Francis Bacon）時曾提到「觸覺視覺」。吳采恩的畫作也具有這種特質。
那濃稠的紅色壓克力顏料，堆疊得如同奶油或肌肉纖維；那平滑的藍色色塊，則如同冰面。觀眾看這幅畫時，不僅是用眼睛看，甚至會產生一種 「想要觸摸」 的衝動。她利用壓克力顏料的物質特性，喚起了觀眾身體的知覺。
哲學的迴響
—— 從中國神話的「混沌」到當代物理的「大爆炸」
儘管吳采恩的表現形式極度當代，但其作品標題 〈宇宙洪荒〉 卻指向了一個古老的東方哲學命題。
1. 莊子的「混沌」與吳采恩的「未分」
《莊子》中的「混沌」是七竅未開、渾然一體的狀態。吳采恩的畫作捕捉的正是這種 「未分化」 的時刻。
天地尚未分離，陰陽尚未定型。畫面中的紅與藍互相侵蝕，象徵著冷熱能量的交替；具象與抽象混雜，象徵著物質尚未被定義。她描繪的不是一個「已完成」的世界，而是一個 「正在生成（Becoming）」 的瞬間。
2. 科學的大爆炸（Big Bang）
若從現代科學角度解讀，這幅畫更像是一張 「宇宙微波背景輻射圖」 的藝術版。
那些爆炸性的放射線條、劇烈擴張的色塊，精準地對應了宇宙大爆炸理論中的 「暴脹（Inflation）」 階段。吳采恩或許沒有刻意去圖解科學，但她憑藉著藝術家的直覺，捕捉到了宇宙創生時那種 「高能、高熱、極速擴張」 的物理本質。
系譜的對話
—— 抽象表現主義的東方變體與新生代的直覺
將吳采恩置於藝術史的坐標中，我們可以看到她與前輩大師的對話與背離。
1. 與趙無極的跨時空對話
同樣描繪宇宙與氣韻，趙無極使用的是油畫，追求的是水墨般的氤氳與深邃的空間感（虛）。
吳采恩則使用壓克力，追求的是 「平滑」、「直接」 與 「撞擊」（實）。
如果說趙無極的宇宙是「氣」的流動，那麼吳采恩的宇宙就是 「光子」 的爆發。她是抽象表現主義在台灣新生代身上的一種 「波普化（Pop-inflected）」 或 「數位化」 的變體。
2. 與 NAU 前衛精神的契合
NAU 的歷史源流是「新達達」與反體制。吳采恩的畫作雖然不是現成物裝置，但其 「反審美（Anti-aesthetic）」 的用色策略（大膽使用俗豔的螢光色），以及對傳統構圖的破壞，深得前衛藝術的精髓。
她不討好觀眾的眼球，而是挑戰觀眾的視神經。這種 「野性（Wildness）」 正是 NAU 展覽中最渴望看到的生命力。
—— NAU「連立」精神下的個體突圍
在 第 24 回 NAU21世紀美術連立展 這個巨大的舞台上，吳采恩的成功突圍具有戰略意義。
1. 差異化的勝利
展場中有講究哲學結構的 王穆提（結構派），有鑽研生物肌理的 廖純沂（微觀派），還有探討物理秩序的 橋谷勇慈（理性派）。
在這些偏向理性、沈穩的聲音中，吳采恩扮演了 「感性的高音」。
她提供了展覽中稀缺的 「情感宣洩出口」。當觀眾看膩了黑白水墨或冷靜的幾何抽象後，走到〈宇宙洪荒〉面前，會被那種毫無保留的色彩能量所振奮。
2. 視覺記憶點的建立
在擁有數百件作品的大型公募展中，「被記住」 是最難的。
吳采恩利用 100F 的大尺幅 加上 高飽和度的粉紅色系，製造了一個強烈的 「視覺記憶點（Visual Hook）」。這就像是在一部黑白電影中突然出現了彩色的畫面，讓人無法忽視。
未來的一瞥 —— 台灣當代抽象藝術的新能量
文 ／ 王 穆提（WANG MUTI）
吳采恩在東京六本木的亮相，不僅僅是一次展覽紀錄，更是一個 「信號」。
它標誌著台灣當代藝術中，一股 「直覺系」 力量的崛起。這群新生代藝術家不再揹負沈重的歷史包袱，不再糾結於「水墨現代化」的沉重命題。他們像吳采恩一樣，熟練地使用現代工業媒材（壓克力），自在地挪用古今中外的符號（洪荒/大爆炸），並以一種 「遊戲（Play）」 與 「慶典」 的態度來面對創作。
〈宇宙洪荒〉 是一封寫給未來的邀請函。它邀請我們放下理性的分析，回歸感官的直覺。
在國立新美術館這座理性的玻璃巨塔中，吳采恩用最狂野的色彩，點燃了一把感性的火。這把火，照亮了台灣新生代藝術家通往國際舞台的道路，也讓我們看見了「後數位時代」繪畫最原始、也最動人的力量——那是生命本身，在畫布上毫無保留的燃燒。
【藝術家檔案 Data File】
- 藝術家： 吳采恩 (Wu, Tsai-En)
- 入選展覽： 日本第24回 NAU21世紀美術連立展 (The 24th NAU 21st Century Art Renritsu Exhibition)
- 展出地點： 日本東京・國立新美術館 (The National Art Center, Tokyo)
- 參展作品：
- 題名： 〈宇宙洪荒〉 (The Primordial Universe)
- 媒材： 壓克力、畫布 (Acrylic on Canvas)
- 尺寸： 100F (162 x 130 cm)
- 創作年份： 2025-2026
- 風格關鍵字： 抽象表現主義、色彩場域、流動性、有機抽象、高飽和度。
視覚の超新星：呉采恩（ウー・ツァイエン）とその色彩の創世記
—— 第24回 NAU 21世紀美術連立展：台湾家・呉采恩 出品全記録と深度批評
企画・執筆 ／ 王 穆提（WANG MUTI）
プロローグ：六本木の視覚的嵐 —— 「野性」が「ホワイトボックス」に衝突する時
2026年初春、東京・六本木の空気には理性的な冷たさが漂っていた。プリツカー賞建築家・黒川紀章の設計による国立新美術館（NACT）は、その象徴的な波状のガラスカーテンウォールで、都会の空光を静かに反射している。
しかし、第24回「NAU 21世紀美術連立展」の会場に足を踏み入れた瞬間、その静寂は灼熱の視覚的気流によって打ち破られた。それは台湾の若手アーティスト、呉采恩（ウー・ツァイエン）による100号の大作**『宇宙洪荒（The Primordial Universe）』**である。
周囲に構造や伝統媒材の翻訳を模索する作品が並ぶ中、呉の作品はまさに**「視覚の超新星（Supernova）」**であった。彼女は深遠な経典を語ることも、顕微鏡下の科学的テクスチャを見せることもない。高彩度の色彩、野性的な流動性、そして一切の妥協を許さないスケール感によって、鑑賞者の網膜に「感官の侵入」を仕掛けてくるのである。
第1章：場の現象学 —— 黒川紀章の「光の器」で色彩の絶対座標を探る
- ホワイトボックスとの攻防：NACTの巨大な空間（天井高約5m）は、作品の張力が不足していれば虚無に呑み込まれてしまう。呉は「エネルギーで空間に対抗する」戦略をとり、100Fのサイズと、物理的な枠組みを超えて心理的に拡張する構図で、周囲の磁場を圧倒した。
- 光の共謀：アクリル絵具の特質を活かし、蛍光ピンクやエレクトリックブルーが精密な照明下でステンドグラスのような「透光感」を放つ。彼女の作品は美術館の光と共謀し、色彩の振動周波数を増幅させている。
第2章：作品の解体 —— 『宇宙洪荒』の視覚修辞と液状の構図
- 液状の現代性（Liquid Modernity）の視覚化：ジグムント・バウマンの概念を借りれば、彼女の絵画は流動する社会の翻訳である。境界のない色面が溶岩のように混ざり合い、鑑賞者の視線を「オールオーバー（All-over）」な流動へと誘う。
- 空間のトポロジー：遠景、近景、ミクロ、マクロが同一平面に「圧縮」されている。これは、複数のウィンドウを同時に開く現代のデジタルな視覚体験の反映でもある。
第3章：色彩の暴力と歓愉 —— 蛍光、アクリル、ポストデジタル時代の感性
呉は、混沌を灰や黒で描く伝統を拒絶する。蛍光ピンク、ライムグリーンなどの「人工的な色」を多用し、宇宙の誕生を悲劇ではなく**「カーニバル（祝祭）」として描き出す。また、ドゥルーズが説く「触覚的視覚（Haptic Visuality）」**のように、厚く塗られたアクリルの質感は、鑑賞者の視覚のみならず身体的な触覚を呼び覚ます。
第4章：哲学の残響 —— 荘子の「混沌」から現代物理の「ビッグバン」へ
東洋哲学における「混沌（フンドゥン）」、すなわち天地未分の生成の状態を、彼女は紅と青の侵食し合う色面で表現した。同時に、その爆発的な放射線状の線条は、宇宙物理学における「インフレーション（急膨張）」の瞬間を直感的に捉えている。
第5章：系譜の対話 —— 抽象表現主義の東方変体
趙無極（ザオ・ウーキー）の宇宙が「気」の流動であるならば、呉采恩の宇宙は**「光子（フォトロン）」**の爆発である。彼女は抽象表現主義を現代のポップ感覚やデジタル感覚でフィルタリングした、新世代の旗手といえる。
結び：未来への一瞥 —— 台湾現代抽象芸術の新エネルギー
呉采恩の六本木での登場は、台湾の若手芸術家がもはや歴史の重荷を背負わず、現代の工業媒材（アクリル）を自在に操り、直感と「遊び」の精神で国際舞台に挑んでいることを示す強力なシグナルである。『宇宙洪荒』は、キャンバスの上で生命そのものが無邪気に燃焼する、ポストデジタル時代の最も純粋な絵画の力を我々に見せてくれた。
A Visual Supernova: Wu, Tsai-En and Her Color Genesis
— Documentation and In-depth Critique of Taiwanese Artist Wu, Tsai-En at the 24th NAU 21st Century Art Renritsu Exhibition
Curated & Written by WANG MUTI
Preface: A Visual Storm in Roppongi — When "Wildness" Collides with the "White Cube"
In early spring 2026, a rational chill lingered in the air of Roppongi, Tokyo. The National Art Center, Tokyo (NACT), designed by Pritzker Prize-winning architect Kisho Kurokawa, calmly reflected the city sky with its iconic wave-like glass curtain wall.
However, upon entering the hall of the 24th NAU 21st Century Art Renritsu Exhibition, this calmness was shattered by a scorching visual current: "The Primordial Universe" (宇宙洪荒), a monumental 100F canvas by Taiwanese artist Wu, Tsai-En.
Amidst works exploring structure or traditional ink translations, Wu’s painting acted as a "Visual Supernova." She does not lecture on profound scriptures; instead, she launches a sensory invasion upon the viewer’s retina with high-saturation colors, wild fluidity, and an uncompromising scale.
Chapter 1: Phenomenology of the Site — Finding Color’s Absolute Coordinates
- Countering the White Cube: The NACT galleries, with 5-meter ceilings, tend to swallow artworks that lack tension. Wu’s strategy was to "confront space with energy." Her 100F canvas established a dominant physical presence, while her "outward-expanding" composition pushed the psychological boundary of the painting far beyond its frame.
- The Complicity of Light: Utilizing the reflective properties of acrylics, her fluorescent pinks and electric blues create a "translucent luminosity" akin to stained glass under NACT’s precision lighting. Her work enters a "complicity" with the environment, using ambient light to amplify the vibration frequency of her colors.
Chapter 2: Structural Deconstruction — Visual Rhetoric and Liquid Composition
- Visualizing Liquid Modernity: Drawing from Zygmunt Bauman’s concept, Wu’s painting is a visual translation of our fluid contemporary society. Molten color masses merge without hard outlines, creating an "All-over" flow that mimics a universe in constant flux.
- Spatial Topology: Wu "compresses" distance, proximity, the microscopic, and the macroscopic into a single plane. This reflects the modern digital experience of having multiple windows and timelines open simultaneously on a screen.
Chapter 3: The Violence and Joy of Color — Post-Digital Sensory Logic
Wu rejects the tradition of depicting chaos with gloomy grays or blacks. Instead, she employs Fluorescent Pink, Lime Green, and Electric Blue. For her, the birth of the universe is not a catastrophe but a "Carnival." Furthermore, her work embodies Deleuze’s "Haptic Visuality"—the thick acrylic textures provoke a physical urge to touch, engaging the viewer’s bodily senses.
Chapter 4: Philosophical Echoes — From "Chaos" to the "Big Bang"
The title The Primordial Universe points to the ancient Eastern concept of "Hun-dun" (Chaos)—a state of undifferentiated becoming. Her intermingling reds and blues symbolize the exchange of cold and hot energies at the moment of creation. Simultaneously, her explosive radiating lines capture the physical essence of cosmic "Inflation."
Chapter 5: Genealogical Dialogue — An Eastern Variant of Abstract Expressionism
If Zao Wou-Ki’s universe is the flow of "Qi," then Wu Tsai-En’s universe is an explosion of "Photons." She represents a "Pop-inflected" or "Digitalized" variant of Abstract Expressionism within the new generation of Taiwanese artists.
Conclusion: A Glimpse of the Future — New Energy in Taiwan’s Abstract Art
Wu Tsai-En’s debut in Roppongi is a signal: a rise of "Intuitive" power in Taiwanese contemporary art. These artists no longer carry the heavy burden of history; they use modern industrial media with ease and face creation with an attitude of "Play" and "Celebration." The Primordial Universe is an invitation to return to sensory intuition—a raw, moving power where life itself burns unreservedly upon the canvas.
Artist Data File
- Artist: Wu, Tsai-En (吳采恩)
- Exhibition: The 24th NAU 21st Century Art Renritsu Exhibition
- Venue: The National Art Center, Tokyo (NACT)
- Work Title:The Primordial Universe (〈宇宙洪荒〉)
- Medium: Acrylic on Canvas
- Size: 100F (162 x 130 cm)
- Keywords: Abstract Expressionism, Color Field, Liquidity, High Saturation, Post-Digital.
