《熟宣上的分子詩學：廖純沂的微觀凝視與生命流變》

—— 日本第24回 NAU 21世紀美術連立展：台灣藝術家廖純沂參展全紀錄與深度藝評

策劃・撰文 ／ 王 穆提（WANG MUTI）

六本木的靜謐實驗室 —— 當科學家拿起畫筆

2026 年初春，東京六本木。由代謝派建築大師 黑川紀章 設計的 國立新美術館（NACT），以其標誌性的波浪狀玻璃帷幕，捕捉著城市的光影流動。在 《日本第24回 NAU21世紀美術連立展》 的巨大展廳中，充斥著各種前衛、躁動、甚至破壞性的當代藝術語言。

然而，在展場的一隅，台灣藝術家 廖純沂（Liau, Chun-Yi） 的雙拼鉅作 《未竟（Becoming）》，卻像是一座 「靜謐的實驗室」。

她不是一位普通的畫家，而是一位擁有 中山醫學大學醫學研究所博士 學位的研究者。她手中的畫筆，如同實驗室裡的移液管（Pipette）；她選用的 熟宣紙，如同顯微鏡下的玻片。

不同於生宣的狂放潑灑，廖純沂利用 熟宣不吸水 的特性，進行了一場關於 「層次」 與 「物質」 的精準實驗。她將生物學對生命的微觀理解，轉化為宏觀的彩墨哲學，在東京的藝術殿堂中，展示了一種 「理性的詩意」。

場域的現象學

—— 在黑川紀章的玻璃巨塔中，構建「微觀宇宙」

國立新美術館 是一個強調「共生（Symbiosis）」的巨大容器。對於廖純沂而言，挑戰在於：如何在巨大的物理空間中，展現微觀世界的深度？

1. 對抗白盒子的「厚度」

NACT 的展牆高聳潔白，容易使平面作品顯得單薄。 廖純沂選擇了 熟宣（Sized Xuan） 結合 礦物顏料（岩彩）。

• 熟宣因經過膠礬加工，紙質較硬且不吸水，這使得顏料不是滲透進去，而是 「堆疊」 在紙面上。
• 這種堆疊創造了物理上的 「厚度」 與 「浮雕感」。在美術館的聚光燈下，礦物顏料的晶體會產生折射，使得畫面具有一種 「寶石般的物質感」，從而撐起了巨大的展示空間。

2. 視覺的引力場

廖純沂的作品是一個 「內吸」 的場域， 那深邃的藍色肌理，如同深海或宇宙黑洞，強迫觀眾走近，去凝視那些如同細胞分裂般的細節。她以 「精微」 對抗 「巨大」，在喧囂的六本木創造了一個精神的沈思點。

身分的雙重性

—— 醫學博士的研究視角：從培養皿到畫仙紙

要解讀《未竟》，必須先理解創作者的 「眼」。廖純沂的眼睛，是受過嚴格科學訓練的。

1. 非臨床，而是研究（Not Clinical, But Research）

她不是在病床邊診斷的醫生，而是在實驗室探索機制的 博士研究者。 這意味著她關注的不是「治癒」，而是 「原理」。

• 在她的畫中，牡丹花不是文人筆下的富貴象徵，而是 「生物能量的聚合體」。
• 背景的紋理不是寫意的雲煙，而是 「分子結構」 或 「有機組織」 的模擬。

2. 實驗精神的轉移

作為 台灣生物化學及分子生物學學會 的會員，她習慣於控制變因。 在創作中，她將這種精神帶入了 「材質實驗」。熟宣紙的膠礬濃度、礦物顏料的顆粒大小、水分蒸發的速度，都是她調控的參數。她像是在進行一場化學實驗，追求在 「控制（Control）」 與 「隨機（Chance）」 之間的完美平衡。

作品深度解構

—— 《未竟》的物質辯證與視覺修辭

作品： 《未竟》 (Becoming) 規格： 138 x 138 cm (雙拼 / 兩張4尺全開) 媒材： 熟宣紙、彩墨、礦物顏料

這是一件建立在 「熟宣特性」 之上的技術傑作。

一：熟宣的化學（不吸水的控制美學）

與生宣的「一筆定江山」不同，熟宣允許 「反覆渲染」 與 「清洗」。 廖純沂充分利用了這一點。

• 積染法（Layering）： 畫面那深沈的藍色背景，並非一次塗抹而成，而是經過數十次的淡墨與花青 層層疊加。因為紙張不吸水，每一層顏料乾燥後都形成一個薄膜，光線穿透這些薄膜，產生了深邃的 「通透感（Transparency）」。

二：藍色的原生湯（細胞與虛空的隱喻）

          背景中那些白色的、絮狀的、圓形的紋理，是整幅畫最迷人的地方。

• 技法推測： 這極可能是利用熟宣的特性，運用了 「撞水」 或 「撒鹽」 技法。在顏料未乾時滴入清水或化學溶劑，利用表面張力將顏料推開。
• 科學隱喻： 在醫學博士的眼中，這就像是顯微鏡下的 「細胞培養基（Culture Medium）」，或者是生命的 「原生湯（Primordial Soup）」。這是生命誕生前的混沌狀態，充滿了可能性。

三：礦岩的堆疊（黃色牡丹的能量實體）

         前景的牡丹花使用了 黃色系的礦物顏料。廖純沂的作品基礎在於 「勾勒」。這種技法繼承自宋代工筆的精神，講究線條的韌性、起伏與轉折。

• 線條的厚度： 她的勾勒並非死板的「描邊」，而是具備書法美感的 「鐵線描」 或 「蘭葉描」 的變奏。這種線條賦予了物體物理上的重量感與穩定性，使畫面在視覺上產生了一種 「結構性的真實」。
• 理性的界定： 透過精準的勾勒，廖純沂在畫布上定義了虛與實、內與外的界限。這種界限感，是對當代氾濫的模糊影像的一種回應，展現了她對事物 「本質結構」 的尊重。

2. 小寫意的氣韻調節：流動的精神性

在嚴密的勾勒基礎之上，廖純沂引入了 小寫意 的渲染與隨意性。

• 筆墨的呼吸： 不同於大寫意的狂放，她的小寫意表現為在既定的輪廓內，進行微妙的水分控制與層次疊加。這種手法讓原本生硬的線條框架中，充盈著流動的空氣感與生命力。
• 偶然性的控制： 在色彩的暈染中，她容許墨色在勾勒的邊界內進行局部的流竄與碰撞。這種 「受控的偶然性（Controlled Contingency）」，讓她的作品在精緻中帶有文人畫的優雅與從容。

技法的煉金術

—— 「撞水撞粉」與「晶體沈澱」的實驗

廖純沂的創作過程，是一場 物理與化學的展演。

1. 液體的張力學

在熟宣上作畫，水分會浮在紙面上很長時間。廖純沂利用這段時間，讓不同比重的顏料（如重金屬礦物色與輕質植物色）在水中自然分離、沈澱。 這種 「沈澱紋理」 是生宣無法做到的。它模仿了地質沈積或生物組織的生成過程，賦予畫面一種 「自然演化」 的真實感。

2. 書法線條的隱性支撐

廖純沂的藝術成就，在於她勇敢地回歸了水墨最核心、也最困難的領地——「線條」。

她拒絕沒骨畫法那種容易流於甜美的軟弱，選擇以 工筆勾勒為基石，再輔以 小寫意的精神導向。這種 「剛柔並濟」 的策略，不僅保存了傳統繪畫的精髓，更賦予了水墨在當代視覺環境中一種 「清醒的、結構性的」 力量。

哲學的凝視

—— 「未竟」作為一種生物學的生成狀態

標題 《未竟（Becoming）》 是一個哲學與科學的雙重命題。

1. 生物學的動態平衡

在生物學中，生命體永遠處於 「代謝（Metabolism）」 之中。細胞不斷凋亡與再生，沒有一刻是靜止的「完成態」。 廖純沂描繪的正是這種狀態。畫面右上方的模糊光暈，與左下方的具象花朵，暗示了 「能量的聚散」。生命從藍色的虛空中「生成」，短暫綻放，然後又回歸虛空。

2. 德勒茲的生成論

這與哲學家德勒茲（Deleuze）的「生成」概念不謀而合。這幅畫不是對牡丹的再現（Representation），而是捕捉了牡丹 「正在成為牡丹」 的那個過程。

系譜的對話

—— 膠彩畫的細膩與當代水墨的氣韻

廖純沂的作品位於多種藝術傳統的交匯點。

1. 與膠彩畫（Nihonga）的對話

由於使用熟宣與礦物顏料，她的作品具有 日本膠彩畫 的細膩質感與裝飾性。這使得她在日本 NAU 展覽中，能夠迅速獲得當地觀眾的文化共鳴。

2. 與宋代院體畫的對話

熟宣是宋代工筆畫的主要載體。廖純沂繼承了宋畫 「格物致知」 的精神，但在形式上大膽革新，拋棄了傳統的寫實，走向了 「半抽象」 的心象風景。

—— NAU 展場中的「理性詩意」

在 第 24 回 NAU21世紀美術連立展 中，廖純沂的展覽位置非常獨特。

1. 智性的厚度

相比於許多憑直覺創作的藝術家，廖純沂的作品背後有強大的 「知識體系」 支撐。她的醫學博士背景，為作品提供了 「科學的敘事」，這在當代藝術圈是非常獨特且具說服力的賣點。

2. 跨文化的視覺語言

她避開了過於晦澀的東方典故，使用了 「細胞」、「宇宙」、「能量」 這些普世的視覺符號。這讓她的作品能夠跨越語言障礙，被國際觀眾所理解。

理性與感性的共生 —— 台灣「學者型藝術家」的新典範

文 ／   王  穆提（WANG MUTI）

廖純沂在東京國立新美術館的展出，展現了 「跨域（Interdisciplinary）」 的強大力量。

她證明了，科學與藝術並非對立。

• 熟宣 是她的培養皿。
• 顏料 是她的試劑。
• 《未竟》 是她的研究報告。

這位 醫學博士研究者，用理性的大腦控制著繁複的堆疊技法，用感性的靈魂賦予了畫面深邃的詩意。在國立新美術館的光影中，廖純沂讓我們看見了：生命的奧秘，不僅存在於顯微鏡下，更存在於那一層層堆疊的礦岩與水墨之間。

【藝術家檔案 Data File】

• 藝術家： 廖純沂 (Liau, Chun-Yi)
• 身分：
  • 中山醫學大學 醫學研究所 博士 (Ph.D., Institute of Medicine)
  • 藝術家 / 書法家 / 研究者
• 入選展覽： 日本第24回 NAU21世紀美術連立展
• 展出地點： 日本東京・國立新美術館
• 參展作品：
  • 題名： 《未竟》 (Becoming)
  • 規格： 138 x 138 cm (雙拼 / Diptych)
  • 媒材： 熟宣紙、彩墨、礦物顏料 (Sized Xuan Paper, Ink, Mineral Pigments)
• 風格關鍵字： 微觀美學、生物學視角、熟宣積染、工筆勾勒小寫意、學者型藝術。

熟宣における分子の詩学：廖純沂（リャオ・チュンイー）の微視的凝視と生命の流転

—— 日本第24回 NAU 21世紀美術連立展：台湾家・廖純沂 参展全記録と深度評

企画・執筆 ／ 王 穆提（WANG MUTI）

【六本木の静かなラボ —— 科学者が筆を執る時】

2026年初春、東京・六本木。メタボリズム建築の巨匠・黒川紀章が設計した国立新美術館（NACT）は、その象徴的な波状のガラスカーテンウォールで都市の光を捉えている。「第24回 NAU 21世紀美術連立展」の広大な展示室が前衛的で激動的な表現に溢れる中、会場の一角に佇む台湾の家・廖純沂（リャオ・チュンイー）の二連作『未竟（Becoming）』は、まるで「静かなラボ」のような異彩を放っていた。

彼女は単なる家ではない。中山医学大学医学研究所の博士号（Ph.D.）を持つ研究者である。彼女の筆はラボのピペット（Pipette）であり、選ばれた「熟宣（加工された宣紙）」は顕微鏡下のスライドガラスである。廖純沂は、熟宣の非吸水性を利用し、「層（レイヤー）」と「物質」に関する精密な実験を展開した。生物学的な微視的理解を、巨視的な彩墨の哲学へと転換させ、東京の芸術の殿堂に「理性の詩情」を提示したのである。

【場の現象学 —— 黒川紀章のガラスの巨塔に築く「ミクロコスモス」】

1. ホワイトボックスへの対抗としての「厚み」
2. NACTの白く高い展示壁において、平面作品は往々にして脆弱に見えがちである。廖純沂は熟宣と岩絵具（鉱物顔料）を組み合わせることで、物理的な「厚み」と「浮き彫り感」を創出した。スポットライトの下で鉱物結晶が屈折し、画面に宝石のような物質感を与えることで、巨大な空間を支えている。
3. 視覚の引力圏
4. 彼女の作品は「内へと引き込む」場である。細胞分裂を思わせる細部を凝視させることで、喧騒の六本木に精神的な沈思の場を作り出した。

【アイデンティティの二重性 —— 医学博士の研究視角：シャーレから画仙紙へ】

1. 臨床ではなく、研究（Not Clinical, But Research）
2. 彼女の関心は「治癒」ではなく「原理」にある。彼女の画中で、牡丹は単なる富貴の象徴ではなく、「バイオエネルギーの凝集体」であり、背景の質感は「分子構造」や「有機組織」のシミュレーションである。
3. 実験精神の転移
4. 熟宣の膠礬（こうばん）濃度、顔料の粒子サイズ、水分の蒸発速度——これらすべてが彼女にとっての制御パラメータ（Parameter）である。「制御（Control）」と「偶然（Chance）」の完璧な均衡を追求するその姿は、化学実験そのものである。

【作品解読：『未竟（Becoming）』の物質弁証法】

• 熟宣の化学： 熟宣は「積染（レイヤー）」を可能にする。背景の深い青は、数十回に及ぶ墨と花青の重畳により、光が透過する深遠な透明感を生み出している。
• 青の原初のスープ： 背景の円形テクスチャは、顕微鏡下の「細胞培養基」を彷彿とさせる。
• 鉱岩の堆積と工筆の骨格： 前景の黄色い牡丹は、岩絵具による物質的なエネルギー実体である。廖純沂の基礎は「勾勒（こうろく）」にあり、宋代工筆の精神を継承した「鉄線描」が、画面に構造的な真実味を与えている。

【哲学の凝視 —— 「未竟」としての生物学的生成状態】

タイトル『未竟（Becoming）』は、哲学と科学の二重の命題である。生命体は常に「代謝（Metabolism）」の中にあり、静止した「完成態」は存在しない。ドゥルーズの「生成（Becoming）」の概念と呼応するように、この画は牡丹の再現ではなく、牡丹が「牡丹になろうとする」プロセスを捉えている。

【結論：理性と感性の共生 —— 台湾「学者型家」の新典範】

廖純沂にとって、熟宣は培養基であり、顔料は試薬であり、『未竟』は研究報告である。理性の脳で複雑な積染を制御し、感性の魂で深い詩情を吹き込む。彼女は、生命の神秘が顕微鏡下のみならず、積み重ねられた岩彩と水墨の間にも存在することを知らしめたのである。

Molecular Poetics on Sized Xuan Paper: Liao Chun-Yi’s Microscopic Gaze and the Flux of Life

— Full Record and In-depth Critique of Taiwanese Artist Liao Chun-Yi’s Participation in the 24th NAU Exhibition, Japan

Curated & Written by WANG MUTI

The Quiet Lab in Roppongi: When a Scientist Takes Up the Brush

Early Spring 2026, Roppongi, Tokyo. The National Art Center, Tokyo (NACT), designed by Metabolism master Kisho Kurokawa, captures the city’s light with its iconic undulating glass facade. Amidst the avant-garde and restless voices of the "24th NAU 21st Century Art Association Exhibition," the diptych Becoming by Taiwanese artist Liao Chun-Yi (Liau, Chun-Yi) stands as a "Quiet Laboratory."

Liao is no ordinary painter; she is a researcher holding a Ph.D. from the Institute of Medicine at Chung Shan Medical University. In her hands, the brush functions like a pipette, and the "Sized Xuan Paper" (non-absorbent) serves as her microscope slide. Utilizing the non-absorbent nature of the paper, Liao conducts a precise experiment on "layering" and "materiality," translating a microscopic biological understanding of life into a macroscopic philosophy of ink and color.

Phenomenology of Space: Constructing a "Microcosm" within Kurokawa's Glass Tower

1. "Thickness" Against the White Box
2. The towering white walls of NACT often make two-dimensional works appear thin. Liao chose Sized Xuan paper combined with mineral pigments (Iwa-enogu). Because the paper is processed with alum and glue, pigments stack upon the surface rather than penetrating it, creating physical "thickness" and a "relief-like" quality. Under the gallery spotlights, the mineral crystals refract light, bestowing a jewel-like materiality that commands the vast exhibition space.
3. A Visual Gravity Field
4. Liao’s work is an "implosive" field. The deep blue textures—reminiscent of the deep sea or a cosmic black hole—force the viewer to step closer and gaze into details that mimic cellular division, creating a point of spiritual contemplation in the bustle of Roppongi.

The Duality of Identity: A Ph.D.’s Research Perspective

1. Not Clinical, But Research
2. Liao’s gaze is shaped by rigorous scientific training. She is not a clinician diagnosing at a bedside, but a doctoral researcher exploring mechanisms in a lab. Consequently, her focus is on "principles" rather than "cures." In her paintings, peonies are not mere symbols of wealth but "aggregates of bioenergy," and background textures simulate "molecular structures" or "organic tissues."
3. Transference of the Experimental Spirit
4. The concentration of glue, the particle size of minerals, and the rate of evaporation are all parameters she modulates. She pursues a perfect balance between "Control" and "Chance," essentially conducting an alchemical experiment on the paper.

Deep Deconstruction of the Work: Becoming

• The Chemistry of Sized Xuan: Unlike Raw Xuan, Sized Xuan allows for repeated layering (Jiran). The profound blue background is a result of dozens of layers of light ink and azurite, creating a "transparency" through which light can penetrate.
• The Primordial Soup of Blue: The circular, flocculent textures in the background serve as a scientific metaphor for a "culture medium" or the "primordial soup" of life.
• Mineral Stacking and the Gongbi Framework: The yellow peonies in the foreground are material entities composed of mineral pigments. Liao’s foundation lies in "Gou-le" (meticulous outlining), inherited from the spirit of Song Dynasty court painting, giving the work a "structural reality."

The Philosophical Gaze: "Becoming" as a Biological State

The title Becoming is a dual proposition of philosophy and science. In biology, living organisms are in a constant state of "metabolism"; nothing is ever a static "finished state." Echoing Deleuze’s concept of "Becoming," this painting is not a representation of a peony, but a capture of the process of a peony "becoming a peony."

Conclusion: The Symbiosis of Rationality and Sensibility —— A New Paradigm for the "Scholar-Artist"

By WANG MUTI

Liao Chun-Yi’s exhibition at NACT demonstrates the power of interdisciplinary practice. Sized Xuan is her petri dish; pigments are her reagents; Becoming is her research report. With a rational mind controlling the complex layering and a soulful spirit imbuing the work with poetry, Liao reveals that the mystery of life exists not only under a microscope but also between the stacked layers of mineral and ink.

Artist Profile:

• Liao Chun-Yi (Liau, Chun-Yi), Ph.D. in Medicine.
• Exhibition: 24th NAU Exhibition, National Art Center, Tokyo.
• Style Keywords: Micro-aesthetics, Biological perspective, Sized Xuan layering, Scholar-Artist.